Картины молоком искусство без границ французской художницы виви мак

Важное на тему: картины молоком искусство без границ французской художницы виви мак с полным описанием и комментариями специалистов.

Императрица роз — французская художница Мадлен Лёмер

Французская художница Мадлен Лёмер (Madeleine Lemaire) жила в Париже в 1845–1928 годах и оставила после себе большое количество прекрасных жанровых картин и нежных полотен с самыми разными цветами.

Во времена так называемой французской Прекрасной эпохи на рубеже 19-20 веков Мадлен Лёмер была известна своим салоном в особняке на улице Монсо, куда заглядывали выдающиеся деятели искусств Франции и гости Парижа из других европейских стран.

Мадлен Лёмер получила прозвище «императрица роз», благодаря своей любви к живописи с «цветочной темой»: ее картины с розами действительно вызывают восхищение своей нежностью и богатством деталей.

Кроме картин и салонна на Монсо, 31, в Париже, Лёмер известна своим романом с писателем Александром Дюма-сыном, который однажды признался: «После Бога именно она [Мадлен Лёмер] создала больше всего роз».

Фото: картины с розами и другими цветами Мадлен Лёмер

Художник-самоучка. Manuel Leonardi

Художник-самоучка. Manuel Leonardi

» data-medium-file=»https://i0.wp.com/www.dukoe.com/wp-content/uploads/2017/06/Manuel_Leonardi_09.jpg?fit=700%2C663″ data-large-file=»https://i0.wp.com/www.dukoe.com/wp-content/uploads/2017/06/Manuel_Leonardi_09.jpg?fit=700%2C663″ >Мануэль Леонарди (Manuel Leonardi) — французский художник-самоучка. Работает во Франции, чаще всего, в Париже. Две основные темы его картин — городские пейзажи и люди (в основном, женщины). В качестве основной среды художник выбрал масло, но, иногда, он использует чернила.

«Я ищу прямой способ рисования, чтобы рассказать больше, чем можно словами».

LiveInternet

LiveInternet

Музыка

Метки

Рубрики

  • живопись (9451)
  • зарубежные творцы (7222)
  • русские творцы (3274)
  • фотография (2460)
  • графика (1543)
  • прикладное творчество (1163)
  • интересные статьи (1063)
  • музыка (1044)
  • архитектура (726)
  • культурные события (700)
  • скульптура (683)
  • поэзия (665)
  • литература (589)
  • ссылки (578)
  • «документальное» (560)
  • дизайн (547)
  • кинематограф (481)
  • история стилей (400)
  • ретро (393)
  • Компьютерное искусство (382)
  • юмор (305)
  • театр (230)
  • обсуждения,вопросы и пр. (177)
  • анимация (174)
  • календарь (161)
  • термины и техники (96)

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Статистика

Французский художник-анималист Jacques-Raymond Brascassat (1804-1867).

Четверг, 19 Апреля 2012 г. 09:32 + в цитатник

Бык на пастбище

Бой быков (деталь)

Стадо на пастбище близ озера в горах

Стадия исследования быка.

Стадии исследования быка.

Пейзаж с овцами.

Корова и бык.

Собаки атакуют волка.

Собаки атакуют волка (деталь).

Коровы на пастбище.

Бык трется о дерево.

Коровы у водопоя.

Волк похитил овцу.

Пейзаж с белым быком и другими животными.

Коза с козленком.

Два быка защищают корову от напавших волков.

Пейзаж в Кастеллане.

Панорамный вид с драматичным небом.

Рубрики: зарубежные творцы
живопись

Метки: анималистика художник масло

Процитировано 23 раз
Понравилось: 31 пользователям

Маки Клода Моне. 3 загадки картины.

“Маки”, одну из самых известных работ Клода Моне, я увидела в музее Д’Орсе . Однако тогда не рассмотрела её как следует. У меня, как поклонника импрессионизма , просто разбежались глаза от всех тех шедевров, которые есть в этом музее!

Позже, конечно, я уже рассмотрела “Маки” как следует. И обнаружила, что в музее даже не заметила несколько интересных деталей. Если посмотреть на картину повнимательнее, у вас наверняка возникнет как минимум три вопроса:

  1. Почему маки таких больших размеров?
  2. Зачем Моне изобразил две почти одинаковые пары фигур?
  3. Почему художник не прорисовал небо на картине?

Отвечу на эти вопросы по порядку.

1. Почему маки такие большие?

Маки изображены очень крупными. Большая их часть – с голову изображённого ребёнка. А если взять маки с заднего плана и приблизить к фигурам на переднем плане, то они и вовсе будут крупнее головы как ребёнка, так и изображённой женщины. К чему такая нереалистичность?

На мой взгляд, размер маков Моне осознанно увеличил: так он в очередной раз предпочёл передать яркое зрительное впечатление, а не реалистичность изображаемых объектов.

Здесь, кстати, можно провести параллель с его техникой изображения кувшинок в поздних работах.

Посмотрите для наглядности на фрагменты картин с кувшинками разных годов (1899-1926 гг.). Верхняя работа – самая ранняя (1899 г.), нижняя – самая поздняя (1926 г.). Очевидно, что со временем кувшинки становились все более абстрактными и менее прорисованными в деталях.

Видимо “Маки” – это лишь предвестник преобладания абстракционизма в поздних картинах Моне.

Картины Клода Моне. 1. Вверху слева: Кувшинки. 1899 г. Частная коллекция. 2. Вверху справа: Кувшинки. 1908 г. Частная коллекция. 3. Посередине: Пруд с кувшинками. 1919 г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк. 4. Внизу: Лилии. 1926 г. Музей искусства Нельсон-Аткинса, Канзас Сити.

2. Почему на картине две пары одинаковых фигур?

Оказывается, для Моне было также важно показать движение в своей картине. Он этого добился необычным способом, изобразив еле просматриваемую тропинку на холме среди цветов, как бы протоптанной между двумя парами фигур.

Читайте так же:  Как получить идеально чистые бокалы

Внизу холма с маками изображены жена Камилла и сын Жан. Камилла традиционно изображена с зелёным зонтиком, так же как и на картине “Женщина с зонтом”.

Наверху на пригорке – другая пара женщины и ребёнка, для которых скорее всего также позировали Камилла с сыном. Поэтому две пары так и похожи.

Эта пара фигур на холме изображена возможно исключительно для визуального эффекта движения, к которому так стремился Моне.

3. Почему Моне не прорисовал небо?

Ещё один примечательный момент в картине : обратите внимания, как плохо прорисовано небо вплоть до оставленных голых участков холста.

Я могу предположить, что дело в самой технике импрессионизма: Моне писал картины за считанные часы и даже минуты, чтобы изобразить игру света и красок в определённый момент суток. Поэтому на все элементы пейзажа не всегда хватало времени. Проработка всех деталей – удел студийной работы, а не работы на открытом воздухе.

Кстати, картина “Маки” была также выставлена на первой выставке импрессионистов 1874 года, о которой я более подробно писала в статье “Впечатление” Моне как рождение импрессионизма в живописи”.

Креативные идеи в фотографиях

Картины из жидких продуктов питания Виви Мак

Французской художнице Виви Мак (Vivi Mac) не нужны краски и кисти для того, чтобы рисовать. Она создаёт свои работы из неожиданных материалов: кетчупа, шоколада, соли и даже рома.

(10 фото + 1 видео)

При помощи обычной пластиковой лопатки она «рисует» портреты на подносе или тарелке, обладающие поразительным сходством с оригиналом. Самое интересное, что ни художественную школу, ни кулинарное училище Виви не заканчивала.

Несмотря на то, что причудливые изображения француженка не выставляет в художественных галереях, в Интернете ее творчество приобрело большую популярность.

Французский художник. Sebastien Badia

» data-medium-file=»https://i0.wp.com/www.dukoe.com/wp-content/uploads/2015/02/Sebastien_Badia_20.jpg?fit=640%2C475″ data-large-file=»https://i0.wp.com/www.dukoe.com/wp-content/uploads/2015/02/Sebastien_Badia_20.jpg?fit=640%2C475″ > Sebastien Badia

Себастьен Бадия (Sebastien Badia) — французский художник, родился в 1973 году неподалеку от Страсбурга, где в настоящее время живёт и работает в собственной студии. Рисовать начал акварелью, как художник-самоучка. Писал, в основном, пером и чернилами с добавлением акварели. Однако, вскоре гуашь вытеснила чернила и карандаш, а позже Себастьен совсем отказался от смешанной техники. Сегодня художник использует только акварель или только масло и чувствует себя вполне непринужденно с ними…

После первых лет рисования, в основном, в жанре ню, Себастьен начал учиться акварельной живописи у Франсуа Хелмлингера в Национальной школе декоративных искусств в Страсбурге, и в течение четырех лет прилежно посещал занятия, параллельно начав писать маслом, по-прежнему, как художник-самоучка.

Он пишет в широком диапазоне тем: «Я делаю это специально, потому что, я думаю что художник не должен ограничивать свое искусство одним типом картин, по двум важным причинам:

Первое и самое главное, опыт, полученный в одном стиле может быть перенесен на другой вид работ; и второе, клиенты выше оценят те работы, из которых можно выбрать».

Я люблю рисовать женщин. Pascale Taurua

» data-medium-file=»https://i1.wp.com/www.dukoe.com/wp-content/uploads/2015/12/Pascale_Taurua_05.jpg?fit=640%2C637″ data-large-file=»https://i1.wp.com/www.dukoe.com/wp-content/uploads/2015/12/Pascale_Taurua_05.jpg?fit=640%2C637″ > Pascale Taurua

Паскаль Тауруа (Pascale Taurua) — современная французская художница, родилась в городе Нумеа в Новой Каледонии, Франция. В детстве ее околдовала возможность перенести окружающую красоту на холст, она до сих пор остается очарована искусством, особенно живописью. Начав с литературной подготовки (будущая художница изучала лингвистику в университете Сиэтла, США), Тауруа постепенно выработала вкус к искусству. После учебы она вернулась в Нумеа, затем какое-то время жила на Таити, во Французской Полинезии и, в конце концов, поселилось в По, Франция, но где бы она не жила, всегда рисовала. Она и сейчас всеми силами развивает свою технику живописи.

Для некоторых картин, Тауруа черпает вдохновение из своего полинезийского происхождения. Ее основной источник — старые фотографии начала прошлого века, где изображены таитянки, застывшие в хоть и не всегда естественных, но весьма живописных позах. «Я восстанавливаю жизнь этих женщин, окружая их сплошным цветом и современной обстановкой в духе поп-арт и плакатов».

Другая, большая, часть ее картин посвящена женщинам из мира глянцевых журналов, пропитанных модой и гламуром. Остановив время в этом мире, она предлагает зрителю окунуться в интимные моменты своих героинь, например, когда они оказываются в одиночестве в темной комнате отеля…

«Персонажи, во вселенную которых я могу легко проскользнуть, становятся для меня, иногда не подозревая об этом, источником вдохновения. Я люблю рисовать женщин, помещая их в глянец, с особым акцентом на силу контрастов. Построенные вокруг какого-либо сюжета, мои масляные картины рассказывают истории, прежде всего, о свете, о цвете и о чувственности…»

Все, что ты можешь вообразить — реально…

Рисованные цветы: картины с маками.

Из зеленых створок
бабочкою алой
выпорхнуло чудо,
или просто — мак.
И моей печали
словно не бывало,
отступил куда-то
безнадежный мрак.

Читайте так же:  6 ложных мифов о восстановлении зрения

(с) Надежда Буранова.

Сегодня в нашей подборке картины, как современных российских художников, так и классических живописцев, с прекрасными яркими цветами — маками. Маки в вазе, маковое поле, букет маков вдохновляют художников на написание прекрасных картин. Приятного просмотра, заряжайтесь энергией!

Картины с маками прекрасно впишутся в любой интерьер: от современного до классического. Алые цветы придадут яркость и тепло комнате в холодных цветах и освежат интерьер в темных тонах. Подробнее

Не остались равнодушными к данными цветкам самые известные живописцы: Винсент Вангог, Клод Моне и Мэри Кассат.

Маки традиционно считаются одним из самых популярных сюжетов в цветочных натюрмортах, чуть менее популярны они в пейзажной живописи. Клод Моне знаменит своими картинами с маковыми полями.

У художника Karin Johannesson есть целая коллекция, посвященная алым растениям.

Корзина с маками и ромашками. Художник: Наталья Дрозда

Маковое море. Художник: Елена Маркчева

Маки и васильки. Художник: Татьяна Киливник

Корзина с ромашками и маками. Художник: Елена Азарова

Букет маков. Художник: Людмила Скрипченко.

Маки. Художник: Эдуард Жалдак

Мельник Светлана. «Большой букет маков»

Утро. Павлова Мария.

Ваза с красными маками. Винсент Ван Гог.

Галина Чупракова-Казакова — Маки на столе .

Летний день. Ольга Воробьёва.

Видео (кликните для воспроизведения).

Kevin Sloan. Кролик в маках )))

Поле маков. Алексей Зайцев (картина мастихином)

Jean-Marc Janiaczyk. Poppy field.

«Маки» — Astapova Gala

Маки и арбуз. Людмила Скрипченко (интересная картина)

Художник-примитивист Серафина: картины, биография

Видео (кликните для воспроизведения).

Автор:
Павел Ин

Серафина Луи (1864-1942)

Кто бы мог предположить, что имя полунищей прислуги ро­дом из маленькой деревушки на берегу реки Уазы войдет в со­лидную энциклопедию «Наивного искусства», изданную в 1984 году совместно югославским и английским издатель­ствами?

Сам по себе интерес к любительской живописи существует уже много лет. Именно во Франции чудак-одиночка, работав­ший на парижской таможне, Анри Руссо привлек к себе сим­патии самых ярких представителей искусства начала века — Пабло Пикассо и Гийома Аполлинера. Спустя несколько лет молодой тбилисский художник Кирилл Зданевич и его друзья открыли для широкой публики в России произведения их за­мечательного соотечественника Нико Пиросманашвили.

Фактически в каждой стране на земном шаре — в самой передовой и в самой отсталой — можно было найти феномены искусства художников-самоучек. Но знатоки живописи, про­фессионалы-искусствоведы продолжали рассматривать это явление как побочное, не имеющее никакого отношения к магистральной линии развития искусства. Всемирная энцикло­педия (ее подготовили известный венгерский исследователь ис­кусства XX века Ото Бихали-Мерин и Небоша-Бато Томашевич) как бы канонизировала имена тех сотен художников, которые вошли в это солидное научное издание. Собранное воедино искусство наивных художников из разных стран предстало как значительный аспект художественной куль­туры XX века. Отсутствие школьной выучки, интуитивное постижение законов построения композиции и сочетаний цве­тов, на первый взгляд, делают похожими друг на друга про­изведения художников-самоучек. Но, проникая в творческий мир каждого отдельного ‘художника, можно почувствовать, как неразрывно связано его творчество с глубинными корнями своей, национальной традиции, с самыми важными, глобаль­ными тенденциями в культуре его эпохи.

Серафина — чисто французская художница, выразитель­ница чувств и верований простого народа, который свято хра­нит память о таких своих героинях, как Жанна Д’Арк. Бе на­стоящее имя — Серафина Луи. Отец ее был часовых дел ма­стер. Она была старшей из двух дочерей, очень рано осиро­тевших. Ей пришлось бросить учебу в школе, хотя она дела­ла там немалые успехи. Уже тогда она все свое свободное вре­мя проводила, занимаясь рисунком. С четырнадцати лет она работала прислугой в Компьене. Жизнь была тяжелой, Се­рафина много заботилась о своих родных. В сорок два года ей удалось перебраться в Санлис, завести свое собственное жилье и работать приходящей прислугой. Дом стал для Серафины ее миром. Она принялась расписывать мебель, посуду, писа­ла картины на картоне и на дереве. Иногда ей удавалось об­менять их у местных лавочников на продукты или мелкие предметы домашнего обихода.

Серафина была очень набожной женщиной. Она часто хо­дила в церковь, помогала украшать ее живыми и искусствен­ными цветами. Цветы, листья, деревья были главным сюже­том ее картин. Особенно часто она изображала дерево — рай­ское дерево, древо познания, древо жизни. Мотив этот относит­ся к одному из самых архаических в народной изобразитель­ной культуре и в том или ином виде присутствует в тради­ционном искусстве многих стран. Дерево Серафины — кра­сочное, одухотворенное, движущее листьями и ветвями, как живое существо. Обычно оно занимает всю поверхность хол­ста своей пышной кроной и толстым стволом, к которому при­лепляются еще листики и отростки.

В 1927 году городская благотворительная организация предложила Серафине показать свои картины на выставке, устроенной в ратуше Санлиса. Она выставила три работы.

Тут-то они и попались на глаза жившему во Франции немец­кому знатоку искусства Вильгельму Уде. Он купил все три ра­боты, пришел к Серафине и предложил ей денежную помощь, чтобы она оставила свою работу и все силы отдала живописи.

1927 —1930 годы — время наивысшего расцвета творчества Серафины. Она работала ежедневно, часто вставала ночью и подходила к мольберту, чтобы запечатлеть возникший перед глазами образ. Возможно, свои творческие озарения она вос­принимала так же, как видения, посещавшие святых, о кото­рых ей рассказывал кюре в церкви.

Живопись Серафины — это мощь и сила внутренних дви­жений крестьянской души, отражение чувств и порывов, обыч­ное скрытых в жизни под контролем строгого воспитания и предписываемой женщине сдержанности поведения.

Бихали-Мерин впервые увидел картины Серафины, придя в гости к Вильгельму Уде, жившему в предместье Парижа Сен-Жермен. Среди картин других самоучек произведения Серафины поразили его: ослепительные букеты, расцвечен­ные всеми оттенками экстаза — ярким желтым, раздража­ющим лягушачье-зеленым, умиротворяющим осенним винно- красным, невинным бирюзово-голубым.

Широкая известность пришла к Серафине после выставки, которую организовал в Париже в галерее «Катр-Шмен» Виль­гельм Уде. Он показал здесь работы уже известного публике Анри Руссо и четырех других самоучек, среди них Серафины. Он назвал свою экспозицию «Художники святого сердца». Из всех участников выставки его определение более всего под­ходило именно Серафине. Она была далека от столичной жизни, не знала ее пороков и соблазнов. Жительница провин­ции, Серафина внесла в современную ей пеструю художест­венную жизнь отзвук дальней средневековой мистической традиции. Она никогда не смогла бы стать художником-про- фессионалом. Во Франции художники уже давно относились к своим работам как к товару, входили в сложные отношения с коллекционерами, маршанами, критиками.

Картины Серафины — творение ее души. В них раскрылся ее творческий дар, который она не могла реализовать в пол­ной мере, так как происходила из низшей социальной среды. Скудность и ограниченность бедной жизни обернулись в ис­кусстве художницы космической бескрайностью простран­ства и пышной феерией цвета.

Маки в живописи: 15 завораживающих картин

Мак — кусочек огня, возле которого оттаивают сердца, а души наполняются любовью к жизни.

Это один из самых ярких цветов на свете.

И конечно, многие художники разных времен обращают свое творческое внимание на этот цветок.

О. Кипренский. Девочка в маковом венке с гвоздикой в руке. 1819.

Очень интересны разнообразные натюрморты с маками современных художников.

Яркий маковый цвет придает картинам эмоциональный взрыв, натюрморты наполняются энергетической притягательностью, завораживающим импульсом.

На многих картинах Клода Моне можно увидеть маки, они как яркие всполохи, словно пламенем окрашивают пейзажные сюжеты художника.

Клод Моне. Дикие маки близ Аржантея. 1873.

Мэри Кассат. Красные маки (1874-1880)

Алексей Зайцев. Поле маков.

Серафима Блонская. Маковое поле.

Клод Моне. Цветущие маки.

Jean-Marc Janiaczyk, Маки в поле.

Фредерик Ч. Хассам. Маки на островах Shoal.

Мак очень не простой цветок, не зря о нем сложено много легенд и преданий. Почти у каждой народности есть свое особое отношение к этому цветку.

Например, в Провансе мак считается цветком ангела и в день Сошествия Святого Духа маковыми цветками украшают церкви.

А в южной Англии, в Оксфоршиде до сих пор считается плохой приметой приносить дикий мак в дом.

В России многие любят мак просто за его красоту, и несмотря на запреты, тайком выращивают у себя на клумбах для души этот яркий, такой противоречивый, дерзко красивый цветок.

Картины молоком: искусство без границ французской художницы Виви Мак

К сожалению, вы используете слишком старый браузер. Обновите его, либо смените на другой. Это бесплатно!

Талантливая французская художница Виви Мак (Viviv Mac), использует неожиданные продукты для создания портретов знаменитостей, тут и молоко, и какао, и рис, и даже ром. Из какого продукта будет нарисован портрет зависит от личности звезды. Хотя её картины не выставляются в галереях, Виви, своими портретами уже заработала себе огромную популярность в интернете.

Как и многие современные мастера, Vivi Mac не училась в художественной школе. Врожденный талант помог ей овладеть тонкостями искусства, в качестве «теорчасти» она использовала информацию, размещенную в сети Facebook, а также во всевозможных блогах, посвященных живописи. Вначале она тренировалась создавать рисунки при помощи шариковой ручки, но поняла, что хочет попробовать что-то более неординарное. Она попробовала себя в боди-арте, но и это оказалось ей не по душе. Однако, как только девушка занялась рисунками при помощи жидкостей, то тут же получила поддержку со стороны Интернет-пользователей.

Lauryn Hill из карамели

Oxmo Puccino из капучино

Барак Обама из тростникового сахара

Брюс ли из молока

Eric Cantona из пены для бритья

Ганди из шоколадного молока

Доктор Хаус из драже

Капитан Джек Воробей из рома

Майкл Джексон из молока

Мастер Йода из жеваной жвачки

Мона Лиза из пудинга

Одри Тоту, в роли Амели, рисунок какао

Рэпер Ice Cube из льда и соли

Рэпер Method Man из табака

Рэпер Доктор Дре из растворимого кофе

Рэпер Снуп Дог из шоколада на блине

Том Хэнкс в образе Фореста Гампа, рисунок из шоколадных конфет.

Уилл Смит из сгущеного молока

Французский комик Колюш из молока

Футболист Thierry Henry из риса

Эми Уайнхаус из вина

10 Произведений искусства, которые потеряны навсегда

Произведение искусства считается потерянным, когда достоверные источники, такие как историки и древние учёные, доказывают, что оно когда-то существовало, но либо уже было уничтожено, либо его просто не могут найти в частных коллекциях или музеях. Произведение искусства может быть потерянным по целому ряду причин: от наводнений и пожаров до войны или старой доброй нерасторопности. Ниже представлены десять удивительных произведений искусства, которые были навсегда потеряны для человечества:

1. Колосс Родосский (Colossus of Rhodes): потерян во время землетрясения


Колосс Родосский был громадной статуей греческого титана Гелиоса (Helios), олицетворявшего солнце. Колосс был построен Харесом, учеником Лисиппа (Chares of Lindos) в греческом городе Родос (Rhodes) в период между 292 и 280 годами до нашей эры. Эта огромная статуя возвышалась примерно на 30 метров и стояла на 15-метровом мраморном пьедестале. Это произведение искусства считается одним из Семи Чудес древнего мира.

На постройку поразительного бронзового Колосса ушло 12 лет, он простоял на пьедестале лицом к городу Родос более 56 лет, пока в городе не произошло землетрясение, в результате которого статуя распалась на сотни кусков, где они и лежали веками.

2. Картина Пикассо под названием «Художник»: потеряна в авиакатастрофе


Подписанный фототипный оттиск 1963 года, под названием «Художник» (Le Peintre), знаменитого художника Пабло Пикассо (Pablo Picasso), был потерян в авиакатастрофе Рейса 111 Swissair у города Галифакс (Halifax), провинции Новая Шотландия (Nova Scotia), Канада 2 сентября 1998 года. В дополнение к этой картине, которая оценивалась примерно в полтора миллиона долларов, в багажном отсеке самолёта также находились бриллианты и другие драгоценности на общую сумму в миллиард долларов.

По пути из Нью-Йоркского Международного аэропорта имени Джона Кеннеди в Женеву, Швейцария, пилоты послали сигнал бедствия и пытались совершить аварийную посадку в Новой Шотландии, но самолёт упал в Атлантический океан, убив двести двадцать девять пассажиров, находившихся на борту. Хотя девяносто восемь процентов самолёта было извлечено из воды, было обнаружено лишь около двадцати сантиметров работы Пикассо, а драгоценности вообще не были найдены.

3. Четырнадцать картин Густава Климта: уничтожены нацистами


На фото выше: «Шуберт за Пианино» (Schubert at the Piano) (1899 год).

Густав Климт (Gustav Klimt) был знаменитым австрийским художником-символистом, чьи работы часто фокусировались на женских формах. Серена Ледерер (Serena Lederer) была богатой меценаткой из Вены, которой удалось собрать четырнадцать картин Климта. В 1943 году Ледерер послала свою коллекцию на хранение в музей Шлосс Иммендорф (Schloss Immendorf). Тем не менее, её коллекция была потеряна в 1945 году, когда отступающие нацисты подожгли музей Шлосс Иммендорф.

В огне были потеряны различные картины, от картины «Музыка II» (Musik II) 1898 года до картины «Гаштайн» (Gastein) 1917 года, а также знаменитые картины потолочной росписи Вены.

4. «Водные Лилии» Клода Моне: потеряны в огне


Клод Моне (Claude Monet), основатель французского импрессионизма, начиная с 1883 года, создал целую серию прекрасных картин водных лилий. Музей Современного Искусства (Museum of Modern Art), находящийся в Нью-Йорке, с нетерпением ожидал получить две картины из этой серии в 1957 году, однако годом спустя они обе были потеряны в огне.

14 апреля 1958 года пожар на втором этаже Музея Современного Искусства уничтожил картину «Водные Лилии», длиной почти в 5,5 метра, а также более маленькую (но всё же достаточно большую) версию водных лилий. Судя по всему, пожар начался, когда рабочие, которые устанавливали кондиционер, курили возле банок с краской, опилок, и тканью, которой закрывают холсты, отчего и зажегся холст. Огонь мгновенно распространился.

В огне погиб один рабочий и несколько пожарных пострадали от отравления угарным газом. Сотрудники музея доблестно пытались сохранить как можно больше картин, но из-за пожара, повреждения водой, а также разрушений, вызванных пожарными, которые пытались унять пламя, большая картина «Водяные лилии» была полностью потеряна. В течение трёх лет музей пытался восстановить меньшую из двух картин, но в 1961 году они объявили, что эта картина также была повреждена без возможности восстановления.

5. Портрет Уинстона Черчилля, написанный Сазерлендом: уничтожен женой Черчилля


В 1954 году Грэхем Сазерленд получил заказ на написание портрета сэра Уинстона Черчилля, премьер-министра Соединенного Королевства, в натуральную величину. Портрет был вручён Черчиллю на публичной церемонии по случаю его восьмидесятилетия. Сазерленд был художником-модернистом и славился своим умением отображать «реальную» сторону тех, кого он писал. Вместо того чтобы изобразить Черчилля статным, Сазерленд нарисовал его таким, каким он выглядел в реальной жизни, и видимо ни Черчиллю, ни его жене эта картина не понравилась.

После публичной презентации в 1954 году, картина была доставлена в Чартвелл (Chartwell), загородный дом Черчилля, но её никогда не выставляли на общее обозрение. В 1977 году, когда жена Черчилля умерла, обнаружилась печальная правда – она уничтожила картину почти сразу после доставки.

6. Картина Микеланджело «Леда и лебедь»: просто исчезла


Эту картину «Леда и лебедь» (Leda and the Swan) Микеланджело написал примерно в 1530 году. Считается, что Микеланджело дал картину своему другу и ученику, Антонио Мини (Antonio Mini), который увёз её во Францию. Мини, возможно, продал картину, потому что в последний раз её видели в королевской коллекции в Фонтенбло (Fontainebleau) в начале 1530-х годов. Придворный художник, Россо Фиорентино (Rosso Fiorentino), нарисовал копию картины, которая является единственной оставшейся версией картины.

7. «Панорама Реки Миссисипи» Джона Банварда: порезана на кусочки


На фото выше: другая картина Банварда.

Джон Банвард (John Banvard) был американским художником, писавшим панорамы и портреты. Самой знаменитой работой Банварда была огромная панорама долины реки Миссисипи. В 1840 году художник провёл несколько месяцев, путешествуя в лодке вверх и вниз по реке, набрасывая пейзажи. Затем он перенёс эскизы на огромный холст.

Длина законченной картины составляла 1524 метра, а высота 3,6 метра. Огромная панорама рекламировалась как «трёхмильный холст» (небольшое преувеличение), и выставлялась в разных городах по всей территории США. К концу 19-го века панорама была разрезана на несколько частей для хранения, но части так и не были найдены.

8. Картина «Художник по дороге на работу» Винсента Ван Гога: потеряна во время пожара


За свою жизнь Винсент Ван Гог создал почти две тысячи произведений искусства. Картина «Художник по дороге на работу» является одной из всего лишь шести его работ, которые были навечно потеряны. Картина «Художник по дороге на работу» хранилась в музее Кайзера Фридриха (Kaiser-Friedrich Museum) в Берлине, до того как она сгорела в пожаре во время Второй мировой войны.

Это один из многочисленных автопортретов Ван Гога. На картине художник был изображён нагруженным материалами для написания картин, идущим по дороге в Монмажур (Montmajour) в 1888 году.

9. Картина «Весна» Антуана Ватто: потеряна, найдена и затем уничтожена


Антуан Ватто (Antoine Watteau) был французским художником, который жил в начале 1700-ых годов. Примерно в 1716 году Ватто написал серию сезонных картин для Пьера Кроза (Pierre Crozat), среди которых были «Весна» (Printemps), «Осень», «Зима», и «Лето». На сегодняшний день сохранилась лишь одна картина из этой серии. «Весна» была обнаружена в 1964 году, но через два года она была потеряна в огне, а картины «Осень» и «Зима» так и не были найдены.

Кстати, ещё одна картина Ватто, «Сюрприз» (La Surprise), написанная примерно в 1718 году была найдена во время страховой оценки в 2007 году. Картина, написанная маслом, была продана на аукционе 8 июля 2008 года за 15 миллионов евро, и установила мировой рекорд цены на картину, написанную Ватто.

10. Картина «Концерт» Яна Вермеера: украдена ворами


В ходе одной из самых знаменитых краж произведений искусства в истории была похищена картина «Концерт» (Concert), написанная Яном Вермеером. Её примерная стоимость составляет двести миллионов долларов, и она считается самым ценным украденным произведением искусства в мире. В 1990 году двое воров под видом полицейских украли тринадцать произведений искусства из музея Изабеллы Стюарт Гарднер (Isabelle Stewart Gardener Museum) в Бостоне. Ни одна из картин, украденных в музее, так и не была найдена.

Среди знаменитых картин, украденных в Бостоне, была также картина Рембрандта «Шторм на Галилейском море» (The Storm on the Sea of Galilee).

Картины известных художников — Яркие личности в искусстве
11.09.2014 16:50
Читайте так же:  5 известных мифов о жиросжигающих продуктах
Картины молоком искусство без границ французской художницы виви мак
Оценка 5 проголосовавших: 1

ОСТАВЬТЕ ОТВЕТ

Please enter your comment!
Please enter your name here